LA LUZ EN EL ARTE

La luz a lo largo de la historia del universo y del ser humano, ha representado lo divino lo inalcanzable, lo sagrado...
La sombra es la proyección de un cuerpo. Las luces y las sombras nos indican el relieve, el volumen y la profundidad que puede tener un objeto. Los artistas occidentales utilizan la sombra significativamente. Las sombras también nos pueden indicar en qué hora del día estamos, nos aportan información. Una manera de jugar con la sombra y de crear cosas nuevas seria cambiando las sombras de los objetos por otras.

Podemos encontrar diferentes tipos de luz:

  • NATURAL
  • ARTIFICIAL: esta luz puede ser de dos tipos continua (focos de estudio) o discontinua (flash).
No solo oculta la sombra, pues la luz también lo hace. Si hablamos de luz y de sombra también deberíamos de hablar de penumbra. La penumbra es algo que ni se ve, ni se deja ver.


Dan Flavin
Pionero de la utilización de fluorescentes.




Rafael Lozano Hemmer:
nuestra propia sombra sirve para revelar lo que está escondido.




Fabrizio Corneli



EJERCICIO

El ejercicio comenzó al principio de la clase, tuvimos que cambiar de sitio, nos teníamos que poner en  otro en el que nunca hubiéramos estado sentados y se nos asignó a cada uno una postal diferente y un punto.
Esta actividad consistía en relacionar la postal, el punto y un autor contemporáneo con el tema que se había desarrollado en clase. Podían estar relacionados los tres entre si o bien relacionar cada uno con cosas diferentes del tema. A parte de relacionar los diferentes objetos debíamos de plantear una clase, es decir, como en el ejercicio de la entrada del tamaño, el formato y el marco, pero esta vez individual.
La postal que a mí me toco, era de Copenhague:



Diseñe una clase para alumnos de 16 años sobre la luz.

Como ejemplo para explicar el comportamiento de la luz tanto artificial como natural y de la sombra, llevare la imagen de esta postal de Copenhague, puesto a que el elemento que se ve en ella cambia de color, ese color aparece por la luz que tiene en ese momento tanto natural como artificial, en realidad es mucho más oscura:



Después de esta clase teórica deberán de llevar a cabo una práctica basándose en el trabajo de Tim Noble y Sue Webster. Estos dos artistas trabajan con material que encuentran por las calles de Londres,creando con ellas esculturas que si las viéramos solas tal cual no nos dirían nada, pero la sombra que proyectan es fascinante:



Los alumnos deberán de recrear una escena, un objeto, etc... Al estilo de estos artistas, pero al contrario que ellos, deberán utilizar como elemento principal el círculo y conseguir con ello crear otras formas.






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TAMAÑO, FORMATO Y MARCO

TAMAÑO

Llamamos tamaño a las dimensiones físicas de la imagen visual. Esta es una de las primeras decisiones que debe tomar el artista antes de realizar la obra. El tamaño se elige en función de lo que se quiera transmitir, por la adaptación de los materiales, por el impacto psicológico que quieras dar o por la notoriedad social:

  • Más grande que el espectador: ensalza
  • Igual que el espectador
  • Más pequeño que el espectador: establece una relación intimista con el objeto.

Christo, este autor se caracteriza por utilizar tela para cubrir extensas áreas públicas o envolver edificios gigantescos. Cubre y descubre.


FORMATO

Deriva de la palabra forma. El formato es la forma y orientación del soporte que seleccionamos para la obra que vamos a realizar. El formato de la obra puede estar dado por:

  •  Contenido simbólico
  • Adaptación a la obra

Podemos encontrar formatos que ya están establecidos cómo el formato paisaje, el formato marina o el formato figura.

Ana Laura Aláez


MARCO

Marca donde acaba la obra, es decir, los límites de esta. Una obra pictórica puede tener o no tener marco. En el caso del paisaje el entorno es el que actúa cómo marco y en el caso de las esculturas el marco es el pedestal. Podemos encontrar dos tipos de marco:

  • Marco objeto
  • Marco limite

Alberto Reguera


EJERCICIO

Después de la clase teórica sobre estos tres conceptos, realizamos un ejercicio en grupo. El ejercicio consistía en diseñar una clase sobre como daríamos esta misma clase nosotros.

En mi grupo decidimos que la clase seria para 25 alumnos de 12 años, que aprenderían el tamaño, el formato y el marco con dos clases de 55 minutos cada una. 

Objetivos; 
  • Que aprendan que es el tamaño, el formato y la forma.
  • Aprender a trabajar en equipo.
  • Aprender a respetar las diferentes opiniones.


Para la clase teórica emplearíamos 55 min, en esta clase se les pediría a nuestros alumnos que para la siguiente clase traigan de casa material de dibujo y material reciclado. Con este material tendrán que ejecutar una obra eligiendo uno de estos dos temas: zapatillas o medios de transporte. Al finalizar el ejercicio los alumnos expondrán sus obras y se volverán hacer otros dos grupos. Los que elijan zapatillas por un lado y los que elijan medios de transporte por otro. Juntaran sus obras del mismo grupo para ver las diferentes posibilidades de representación de un mismo concepto.

Deberán demostrar que han aprendido los conceptos con claridad en sus obras, no tendrán nota concreta de evaluación, Se valorara el nivel de implicación en la tarea y si los objetivos han llegado a cumplirse.


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LA FORMA

Para entender mejor el tema de LA FORMA seria conveniente ver el siguiente vídeo. Este vídeo fue proyectado antes de la clase teórica para ponernos un poco en la situación de lo que veríamos en la teoría, como introducción:

https://www.youtube.com/watch?v=-fUYGRoM9EY

 El vídeo habla de las formas geométricas que encontramos en la naturaleza y de la investigación de cómo llegan a formarse. Nos damos cuenta que la naturaleza es perezosa pues encuentra la forma más eficiente y la que implique un menor consumo de energía. Entendemos mejor los fractales, que son la forma en la que la naturaleza construye el mundo. Los patrones de la naturaleza son fractales. Para explicar la naturaleza también tiramos de ciencia matemática.

¿QUÉ ES LA FORMA?

La forma es el límite entre un cuerpo y el espacio. Podemos diferenciar dos maneras de crear las formas:

  • LÍNEAS RECTAS
  • LÍNEAS CUERVAS

Encontramos ocho formas básicas en la naturaleza formadas por estas líneas:

  1. ESFERA: es la forma más perfecta de la naturaleza. La esfera protege.
  2. ONDA: mueve y comunica. La onda es el procedimiento más simple para mover un material dentro de un fluido.
  3. ÁNGULO: penetra y concentra.
  4. HEXÁGONO: pavimenta, un conjunto de círculos sometidos a presión se convierten en hexágonos.
  5. FRACTAL: tiende a llenar el espacio con continuidad, el fractal intima.
  6. PARÁBOLA: tiene capacidad de sujeción y capacidad de aguante.
  7. HÉLICE: agarra.
  8. ESPIRAL: empaqueta. Crece sin ocupar mucho espacio.

La forma surge de la necesidad de adaptarse a un objetivo, muchas formas cambian y se adaptan. Cualquier objeto es el MISMO frente al universo.

Estos son algunos de los artistas actuales que trabajan la forma:


GORDON MATTA CLARK



ORLAN




YAYOI KUSAMA




Para seguir entendiendo un poquito más este tema aquí tenéis el siguiente vídeo:





Otro de los vídeos que vimos en clase y que pusimos en práctica lo que en este nos explica es el vídeo de " Da Vinci, el genio- El hombre de Vitrubio":





El ejercicio de esta clase sobre la forma fue el siguiente: debíamos realizar con plastilina dos formas. La primera forma no debía de parecerse a ninguna forma existente. La segunda forma consistía en hacer el hueco de algo, de algún elemento que se encontrara en el aula. Este fue el resultado:


Forma que "no" se parece a nada.



Hueco de la esquina de una mesa.

 Este último ejercicio nos sirvió para darnos cuenta que aunque nosotros creamos que estamos haciendo una forma que no es nada, si esa misma forma se la muestras a otra persona le saca parecido a algo. Es muy difícil hacer formas que no se parezcan a nada. Aprendemos también que la naturaleza es verdaderamente inteligente y que las formas que vemos cada día en ellas no han salido porque si, que utilizan los fractales y actúa de manera eficiente.









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LA TEXTURA

 La textura es la materia que recubre un cuerpo y la representación visual de dicha materia.
Podemos encontrar diferentes tipos de texturas:


  • Natural: es la textura que es sensible al tacto, la textura real.
  • Simulada o Visual: representación de la experiencia visual, es decir, no coincide lo que tocamos con lo que vemos. Un ejemplo de esta textura es el césped artificial.
  • Artificial o ficticia: esta textura es la variante a la textura natural, pues el tacto no coincide con lo natural pero se asemeja lo máximo posible.

Junto con el color y la iluminación la textura es una herramienta que nos orienta a la hora de interpretar una imagen con luces, brillos, sombras...
Las texturas nos pueden remitir a lo suave, áspero, caliente, frío, duro, blando, húmedo...
Un detalle importante si queremos resaltar las texturas en una imagen lo mejor es utilizar la luz rasante, de esta manera destacara más. Las texturas pueden ser el elemento principal de una obra artística.

Estas son alguna de las fotos hechas en clase. La profesora nos enseñó varias maneras de crear texturas: arrugando y pintando el papel, frotando pelo para sacar su textura, con plantillas y borrador...







El método de clase para dar este tema cambio totalmente, invertimos el sistema, la llamada "teoría del descubrimiento". Antes de dar la teoría la profesora nos propuso un ejercicio que consistía en hacer 10 texturas. Este fue el resultado:



Como podéis ver, mis texturas estaban hechas directamente con el papel doblándolo, arrugando el papel, etc... Y también abundan los frottage. Estaba un poco limitada pues no tenía el material necesario o más bien tenía poco material.

Después de la teoría que podéis ver al principio de la entrada  y ver ejemplos de cómo poder hacer texturas y de la gran variedad que se pueden hacer con diferentes materiales, tuvimos que hacer tres texturas que no correspondieran al objeto que queríamos representar y otras tres texturas que tanto el objeto como la textura coincidiera, es decir, mas real y este fue el resultado:


Una pera con textura de un frottage del pelo de una compañera, una margarita con la textura de un cuaderno en sus pétalos y una boca con puntos blancos hechos con una plantilla con puntos y borrador. Para las texturas " reales"; aparece una hoja, una botella y el dibujo del tejado de una casa. Aunque estas últimas texturas están hechas sin coger ningún tipo de referencia como el frottage del propio objeto y no se ven demasiado .

La conclusión de este ejercicio es que antes de saber la teoría y con las pequeñas nociones que teníamos, no sabemos (por lo que pude percibir en las exposiciones de los ejercicios en clase) salir del frottage. Después de la teoría y de los ejemplos de la profesora con demostración incluida, me di cuenta que tenemos infinitas maneras de crear texturas y de jugar con ellas en nuestras composiciones. 





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MARINA NÚÑEZ- EL FUEGO DE LA VISIÓN

La exposición de Marina Núñez " El fuego de la visión" se encuentra en la sala Alcalá 31 en Madrid y aun podéis disfrutar de ella hasta el 27 de Marzo.

Artista española con gran recorrido artístico, licenciada en Bellas Artes por la universidad de Salamanca y Doctorada en Bellas Artes por la universidad de Castilla y la Mancha.
Nos ofrece una exposición compuesta por 56 obras realizadas con diferentes técnicas; pinturas, vídeos, imágenes con luz...

En el comienzo de la exposición encontramos una sala con varios vídeos programados en bucle, en diferentes paredes  de la misma sale cada uno. Encontramos ojos que te miran, que se mueven, una mujer que sube y baja entre el fuego y otra que intenta escapar de una mirada. Realmente impactante y a la misma vez inquietante.  A partir de esta primera sala hasta el final de la visita me sentí observada. El ambiente, la forma en la que están distribuidas las obras, la luz y el sonido de fondo creaban misterio. 
Observamos dos componentes claves para la obra de Marina Núñez, el fuego y la visión. Es algo que el titulo ya nos deja claro y que nos especifican claramente antes de comenzar a ver las primeras obras:

  • "el fuego, imagen de la pasión en la que se desenvuelven las relaciones humanas, cambiantes ,dinámicas, y a la vez atravesadas por la luz más intensa.
  • y la visión, cifra de la mirada, de los ojos que cobran vida propia, transposición del flujo que transita de la vida al arte: ver es vivir, ver es amar ,ver es mirar arte." 
Estas son algunas de las obras:




 




 

 
Al ver esta obra me vino a la mente la imagen del cuadro de "El jardín de las delicias" del Bosco. De esos objetos azules, tienen un gran parecido.




Muy recomendable aun podéis disfrutar de ella hasta el 27 de Marzo.

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EL COLOR

 ¿Cómo podemos explicar realmente el color?, ¿cómo explicamos  sus mezclas?, los derivados de los diferentes colores, etc...

 Existen mapas de colores para ver y poder indicar el color exacto que queremos, a este mapa se le denomina Pantone.

Los colores interactúan entre ellos, pues dependiendo del color que tengan al lado puede ser un color u otro.

Cuando el color rojo entra en juego en estas interacciones es cuando realmente aparecen los colores de verdad, pues mientras que el rojo no aparezca, entendemos el azul como la extensión del negro y el amarillo como extensión del blanco.

No tenemos memoria del color, utilizamos el color por contraste, por la similitud que tienen con la realidad, por influencia del contexto social o por el contenido simbólico que tiene. Si hacemos la prueba, si intentamos señalar un color que se encuentre alrededor de colores similares a este o de la misma gama, pocas personas saben diferenciarlo.

Ya todos conocemos los colores primarios (cyan, amarillo y magenta) y los secundarios (verde, violeta y naranja) que se obtienen mezclando entre dos colores primarios al 50%. Los colores terciarios son los que se consiguen al mezclar en partes iguales de un color primario y de un secundario. Debemos saber que las armonías de colores con sus complementarios  son las más potentes, estas armonías siempre funcionan, tienen más potencia.

¿Qué colores debe tener nuestra paleta?

Una paleta básica debe tener los siguientes colores:


  • Blanco
  • 2 amarillos: amarillo limón y amarillo cadmio
  • 2 rojos: carmín y cadmio
  • 2 azules: ultramar y azul cerúleo
  • Verde esmeralda
  • Ocre
  • Tierra de Sevilla
  • Negro.
Si mezclamos el amarillo limón con el azul ultramar no saldrá el mismo tono de verde que si lo mezclamos con el cerúleo, cada uno va a dar un tono y una sensación diferente al espectador. Los colores más oscuros de la paleta no son esencialmente los que surgen de mezclas con el color negro, pues con el rojo carmín y el verde esmeralda salen los colores más oscuros de la paleta, incluido el negro. 








Después de esta muestra con los resultados de las mezclas de los colores de la paleta básica, pasamos hacer un ejercicio. Vimos la película HERO para poner en práctica la teoría. En esta película los colores van con cada escena de la historia, es decir, cada escena tiene un color significativo de la misma, dan sentido a lo que esta sucediendo. Esto sirve para darnos cuenta que los colores nos cuentan cosas, nos dan pistas de los sentimientos, los colores también hablan, solo tenemos que aprender y saber escucharlos.





  

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